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Sam Francis
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Samuel Lewis Francis est né le 25 juin 1923 à San Mateo, en Californie. Il s'est inscrit à l'Université de Californie à Berkeley, étudiant d'abord la botanique, la médecine et la psychologie – une formation scientifique qui allait plus tard influencer la précision avec laquelle il observait la lumière et les processus organiques. Lorsqu'il a rejoint l'US Air Force au début des années 1940, sa vie artistique n'avait guère commencé. En 1944, un diagnostic de tuberculose spinale et des années d'hospitalisation dans un plâtre intégral ont tout réorienté. C'est dans ces chambres d'hôpital, après une visite du peintre David Park en 1945, que Francis a commencé à peindre. Il a plus tard décrit l'expérience simplement : "L'art m'a sauvé la vie."
Après avoir obtenu un BA et un MA en art à Berkeley (1949-1950), Francis a déménagé à Paris, où il allait passer la majeure partie de la décennie. La ville était vivante avec la peinture d'après-guerre, et Francis en a absorbé les leçons tout en développant un langage indubitablement personnel. Ses premières toiles parisiennes construisaient des structures cellulaires denses de couleur. Progressivement, les formes se sont assouplies, les surfaces sont devenues plus atmosphériques, et le blanc de la toile non peinte a commencé à fonctionner comme une présence active plutôt qu'un fond. Il a rencontré les Nymphéas de Claude Monet, et les leçons de lumière, d'échelle et de vision périphérique se sont infiltrées dans sa pratique de manière durable. Sa première exposition personnelle, à la Galerie Nina Dausset à Paris en 1952, annonçait un peintre aux ambitions sérieuses. Lorsque sa peinture de 1953, Big Red, a été incluse dans l'exposition de 1956, Twelve Artists, au Museum of Modern Art de New York, sa stature internationale était assurée.
Les années 1950 ont été des années d'extraordinaire mobilité géographique. Francis a peint à Paris, dans le sud de la France, à Tokyo, à Mexico, à Berne et à New York. Le Japon s'est avéré particulièrement formateur. Il y a visité pour la première fois en 1957 et a développé un engagement de toute une vie avec l'esthétique japonaise, surtout le concept de ma – le potentiel expressif de l'espace vide ou négatif. Ce dialogue est finalement devenu le sujet de l'exposition du LACMA en 2023, "Sam Francis and Japan: Emptiness Overflowing". Ses toiles à grande échelle de cette période, telles que Around the Blues (1957, retravaillé 1962-63, maintenant dans la collection de la Tate), montrent comment il maintenait une action chromatique vive en tension avec de vastes blancs ouverts, générant un drame spatial qui n'avait pas de précédent réel dans l'abstraction occidentale.
De retour en Californie dans les années 1960, Francis a établi un studio à Santa Monica et est devenu une présence vitale sur la scène de la côte Ouest. Il a co-fondé le Litho Shop à Los Angeles et s'est lancé dans la gravure, en particulier la lithographie à l'atelier Tamarind – des œuvres telles que Light Violet (1963) et Sulfur Sail (1969) sont entrées dans les collections du MoMA et d'autres grands musées. Il a été tout aussi prolifique en tant que peintre tout au long des années 1970 et 1980, produisant la série dense "Shining Back" aux côtés d'huiles plus petites et plus intimes. Il est décédé le 4 novembre 1994 à Santa Monica.
L'œuvre de Francis est conservée dans les collections permanentes du MoMA, de la Tate, du Centre Pompidou, du Guggenheim, du SFMOMA, du LACMA, du Whitney, du Stedelijk Museum d'Amsterdam et de l'Idemitsu Museum of Arts de Tokyo. Son record aux enchères s'élève à 13,5 millions de dollars, établi chez Christie's New York en 2022 pour Composition in Blue and Black (1955). Sur Auctionist, 13 œuvres apparaissent dans des salles de vente nordiques – estampes et affiches d'exposition chez Bruun Rasmussen à Copenhague, lithographies et aquatintes chez Van Ham, et huiles chez Bukowskis et Stockholms Auktionsverk. Le matériel ici provient en grande partie du côté des éditions de sa production, ce qui signifie que les prix restent bien en deçà de son marché de peintures majeures, mais ils offrent un accès direct à une pratique de gravure qu'il a poursuivie avec la même rigueur que ses toiles.