Jean Dubuffet

Pendant près de deux décennies, la vie commerciale domina. Il reprit l'entreprise de vin de son père au Havre en 1924 et la dirigea pendant l'occupation allemande de la France, écrivant plus tard avec une franchise caractéristique qu'il avait profité en fournissant du vin à la Wehrmacht. Il ne revint sérieusement à la peinture qu'en 1942, après son second mariage. Cette rupture – le long intervalle, l'expérience de l'occupation, le refus d'une carrière artistique confortable – donna à son engagement artistique ultérieur un tranchant combatif qui ne le quitta jamais.

Sa première exposition personnelle s'ouvrit en octobre 1944 à la Galerie René Drouin à Paris, et elle suscita une controverse immédiate. Dubuffet avait développé une technique délibérément brute, anti-raffinée : un empâtement épais renforcé de sable, de goudron, de cailloux et de paille, des figures griffées dans des surfaces denses, des portraits qui dépouillaient le modèle de toute dignité ou idéalisation. Ces qualités n'étaient pas accidentelles. Dubuffet était convaincu que la vénération du monde de l'art pour la technique et la beauté classique avait rompu le lien entre la peinture et l'expérience vécue, et il s'efforça de défaire cela.

Le concept qu'il construisit autour de cette conviction fut l'Art Brut – l'art brut, terme qu'il forgea pour désigner les œuvres réalisées par des patients psychiatriques, des prisonniers, des médiums, des enfants et d'autres personnes extérieures aux structures institutionnelles du monde de l'art. Influencé par l'étude de Hans Prinzhorn de 1922 sur l'art réalisé dans les institutions psychiatriques, Dubuffet collectionna obsessivement de telles œuvres. En 1948, il fonda officiellement la Compagnie de l'art brut avec Jean Paulhan, André Breton et d'autres. La Collection de l'art brut qu'il assembla est aujourd'hui abritée de façon permanente à Lausanne, en Suisse. Son plaidoyer théorique pour l'esthétique des outsiders n'était pas simplement polémique – il façonna directement sa propre pratique, le poussant vers le brut, l'enfantin et le délibérément maladroit comme sources de force authentique.

Au cours des années 1940 et 1950, Dubuffet produisit ses œuvres les plus viscérales et les plus provocantes : la série des Corps de Dame (1950-51), qui représentait des corps féminins avec une distorsion agressive et primitiviste ; des paysages construits à partir de matériaux densément superposés ; des portraits d'intellectuels et d'artistes qui refusaient toute flatterie. D'importantes expositions personnelles suivirent à New York et à Paris. Le MoMA, le Guggenheim, l'Art Institute of Chicago et la Tate acquirent ses œuvres durant cette période. Au début des années 1960, il avait à nouveau changé – développant le cycle de l'Hourloupe (1962-74), un langage graphique de formes imbriquées semblables à des cellules, dessinées en rouge, noir et bleu, réalisées d'abord au téléphone en griffonnant. L'Hourloupe devint sa série la plus longue, s'étendant des œuvres sur papier à la peinture, la sculpture et les installations architecturales à grande échelle.

Sur Auctionist, l'œuvre de Dubuffet apparaît principalement dans les catégories art et estampes, le résultat de vente aux enchères le plus significatif étant une œuvre intitulée "Site avec un personnage" qui s'est vendue chez Phillips pour 122 550 GBP – le plaçant fermement dans le registre supérieur du marché international. Un second résultat chez Phillips, "La Forêt", a atteint 28 380 GBP. Les apparitions aux enchères suédoises se font principalement chez Stockholms Auktionsverk, confirmant que son œuvre circule sur le marché nordique principalement dans le cadre de plus grandes consignations internationales. Les œuvres imprimées et les fac-similés apparaissent à des prix considérablement plus bas, offrant aux collectionneurs une entrée plus accessible dans sa production.