James Rosenquist

Pour subvenir à ses besoins à New York, Rosenquist a trouvé du travail comme peintre d'affiches, passant plusieurs années en hauteur au-dessus de Times Square et des arrondissements extérieurs de la ville à appliquer à la main des images commerciales de la taille de maisons. Cette expérience n'a pas simplement nourri son art - elle en est devenue la logique structurelle. Lorsqu'il a commencé à réaliser des peintures en atelier vers 1960, il a transposé l'échelle, la finition de surface lisse, les gros plans coupés et les sauts picturaux abrupts du travail d'affiches directement dans la galerie. Le résultat était quelque chose qui n'était ni purement commercial ni purement abstrait : une façon de peindre qui traitait la culture de consommation comme un matériau visuel à démonter et à réassembler.

Ses premières expositions personnelles à la Green Gallery en 1962 et 1963 l'ont placé au centre de ce que les critiques commençaient à appeler le Pop Art, aux côtés d'Andy Warhol et de Roy Lichtenstein. Mais là où Warhol répétait et aplatissait, et Lichtenstein citait des bandes dessinées avec une ironie froide, Rosenquist faisait quelque chose de plus troublant : superposant des fragments de publicité, d'emballages alimentaires, de cosmétiques et d'appareils électroménagers dans des puzzles spatiaux où rien ne se résolvait tout à fait. L'effet était moins une célébration qu'un bombardement. Ses peintures enregistraient la surcharge sensorielle de la vie américaine d'après-guerre sans offrir un point de vue stable à partir duquel la juger.

L'œuvre qui a assuré sa renommée internationale fut F-111 (1964-65), une peinture de 26 mètres de long conçue pour envelopper les quatre murs de la Leo Castelli Gallery. Elle entrelace le fuselage d'un avion de chasse à capacité nucléaire avec des images d'un enfant sous un sèche-cheveux, de spaghettis, d'ampoules et d'un parapluie au-dessus d'une explosion atomique. L'œuvre fonctionnait simultanément comme une déclaration anti-guerre, une critique de la consommation et un tour de force formel. Elle est entrée dans la collection du Museum of Modern Art de New York, où elle reste l'un des objets emblématiques de l'art américain d'après-guerre. Des œuvres monumentales ultérieures - parmi lesquelles Horse Blinders (1968-69), conservée au Whitney Museum et au Metropolitan Museum, et Time Dust-Black Hole (1992) - ont démontré que l'ambition de F-111 n'était pas un événement singulier mais un engagement continu envers l'échelle comme signification.

Rosenquist a reçu le Golden Plate Award de l'American Academy of Achievement en 1988 et la Skowhegan Medal for Painting. Une rétrospective majeure organisée conjointement par le Guggenheim Museum et la Menil Collection a été présentée en tournée internationale en 2003. Il est décédé à New York le 31 mars 2017. Son œuvre est conservée dans les collections du MoMA, du Whitney Museum, du Metropolitan Museum of Art, du Guggenheim, de la Tate et du Thyssen-Bornemisza Museum, entre autres.

Dans la base de données Auctionist, Rosenquist apparaît dans 16 lots chez des maisons de vente suédoises et internationales, dont Stockholms Auktionsverk, Bukowskis et Phillips. La gamme des prix enregistrés est frappante : une vente Phillips d'une œuvre sans titre a atteint 129 000 GBP, et un autre lot décrit comme The Serenade for the Doll after Claude Debussy a atteint 90 300 GBP - des chiffres cohérents avec le haut de gamme de son marché d'estampes et d'œuvres sur papier. Les lots des maisons suédoises, principalement des sérigraphies et des lithographies, se sont vendus dans la fourchette de 2 500 à 5 000 SEK, offrant un point d'entrée accessible à un corpus d'œuvres dont les peintures majeures commandent des prix plusieurs fois supérieurs.