James Rosenquist

Per mantenersi a New York, Rosenquist trovò lavoro come pittore di cartelloni pubblicitari, trascorrendo diversi anni in alto sopra Times Square e i quartieri esterni della città a dipingere a mano immagini commerciali grandi come case. Quell'esperienza non si limitò a informare la sua arte, ma ne divenne la logica strutturale. Quando iniziò a realizzare dipinti in studio intorno al 1960, portò la scala, la finitura superficiale liscia, i primi piani ritagliati e i salti pittorici improvvisi del lavoro sui cartelloni direttamente nella galleria. Il risultato fu qualcosa di né puramente commerciale né puramente astratto: un modo di dipingere che trattava la cultura dei consumi come materiale visivo da smontare e rimontare.

Le sue prime mostre personali alla Green Gallery nel 1962 e 1963 lo posizionarono al centro di quello che i critici stavano iniziando a chiamare Pop Art, accanto ad Andy Warhol e Roy Lichtenstein. Ma dove Warhol ripeteva e appiattiva, e Lichtenstein citava fumetti con fredda ironia, Rosenquist stava facendo qualcosa di più inquietante: stratificando frammenti di pubblicità, imballaggi alimentari, cosmetici ed elettrodomestici in enigmi spaziali dove nulla si risolveva completamente. L'effetto era meno celebrazione che bombardamento. I suoi dipinti registravano il sovraccarico sensoriale della vita americana del dopoguerra senza fornire un punto di vista stabile da cui giudicarla.

L'opera che gli assicurò la sua fama internazionale fu F-111 (1964-65), un dipinto lungo 86 piedi progettato per avvolgere tutte e quattro le pareti della Leo Castelli Gallery. Intrecciava la fusoliera di un jet da combattimento a capacità nucleare con immagini di un bambino sotto un asciugacapelli, spaghetti, lampadine e un ombrello sopra un'esplosione atomica. L'opera funzionava simultaneamente come dichiarazione contro la guerra, critica al consumismo e tour de force formale. Entrò a far parte della collezione del Museum of Modern Art di New York, dove rimane uno degli oggetti distintivi dell'arte americana del dopoguerra. Opere monumentali successive - tra cui Horse Blinders (1968-69), conservato al Whitney Museum e al Metropolitan Museum, e Time Dust-Black Hole (1992) - dimostrarono che l'ambizione di F-111 non era un evento isolato, ma un impegno continuo verso la scala come significato.

Rosenquist ricevette il Golden Plate Award dall'American Academy of Achievement nel 1988 e la Skowhegan Medal for Painting. Una grande retrospettiva organizzata congiuntamente dal Guggenheim Museum e dalla Menil Collection fece un tour internazionale nel 2003. Morì a New York il 31 marzo 2017. Le sue opere sono conservate nelle collezioni del MoMA, del Whitney Museum, del Metropolitan Museum of Art, del Guggenheim, della Tate e del Museo Thyssen-Bornemisza, tra molti altri.

Nel database Auctionist, Rosenquist appare in 16 lotti presso case d'asta svedesi e internazionali, tra cui Stockholms Auktionsverk, Bukowskis e Phillips. La gamma dei prezzi registrati è sorprendente: una vendita di Phillips di un'opera senza titolo ha raggiunto 129.000 GBP, e un ulteriore lotto descritto come The Serenade for the Doll after Claude Debussy ha ottenuto 90.300 GBP - cifre coerenti con la fascia alta del suo mercato di stampe e opere su carta. Lotti di case d'asta svedesi, principalmente serigrafie e litografie, sono stati venduti nella fascia 2.500-5.000 SEK, offrendo un punto di ingresso accessibile a un corpus di opere i cui dipinti principali comandano prezzi molte volte superiori.