James Rosenquist

Um sich in New York über Wasser zu halten, nahm Rosenquist eine Stelle als Plakatmaler an und verbrachte mehrere Jahre hoch über dem Times Square und den Außenbezirken der Stadt, wo er hausgroße kommerzielle Bilder von Hand auftrug. Diese Erfahrung prägte nicht nur seine Kunst – sie wurde zu deren struktureller Logik. Als er um 1960 begann, Ateliergemälde zu schaffen, brachte er die Größe, die glatte Oberflächenbearbeitung, die nah herangezoomten Ausschnitte und die abrupten Bildsprünge der Plakatwerbung direkt in die Galerie. Das Ergebnis war etwas, das weder rein kommerziell noch rein abstrakt war: eine Malweise, die die Konsumkultur als visuelles Material behandelte, das zerlegt und wieder zusammengesetzt werden konnte.

Seine ersten Einzelausstellungen in der Green Gallery 1962 und 1963 platzierten ihn im Zentrum dessen, was Kritiker begannen, Pop Art zu nennen, neben Andy Warhol und Roy Lichtenstein. Aber während Warhol wiederholte und abflachte und Lichtenstein Comics mit kühler Ironie zitierte, tat Rosenquist etwas Beunruhigenderes: Er schichtete Fragmente von Werbung, Lebensmittelverpackungen, Kosmetika und Haushaltsgeräten zu räumlichen Rätseln, in denen nichts ganz aufgelöst wurde. Die Wirkung war weniger Feier als Bombardement. Seine Gemälde registrierten die sensorische Überlastung des amerikanischen Nachkriegslebens, ohne einen stabilen Aussichtspunkt zu bieten, von dem aus es beurteilt werden konnte.

Das Werk, das seinen internationalen Ruf sicherte, war F-111 (1964-65), ein 26 Meter langes Gemälde, das alle vier Wände der Leo Castelli Gallery umhüllen sollte. Es verwebte den Rumpf eines atomwaffenfähigen Kampfjets mit Bildern eines Kindes unter einem Föhn, Spaghetti, Glühbirnen und einem Regenschirm über einer Atombombe. Das Werk fungierte gleichzeitig als Antikriegserklärung, Konsumkritik und formale Tour de Force. Es ging in die Sammlung des Museum of Modern Art in New York über, wo es eines der prägenden Objekte der amerikanischen Nachkriegskunst bleibt. Nachfolgende monumentale Werke – darunter Horse Blinders (1968-69), das im Whitney Museum und im Metropolitan Museum ausgestellt ist, und Time Dust-Black Hole (1992) – zeigten, dass der Ehrgeiz von F-111 kein Einzelfall war, sondern ein fortwährendes Engagement für die Skalierung als Bedeutung.

Rosenquist erhielt 1988 den Golden Plate Award der American Academy of Achievement und die Skowhegan Medal for Painting. Eine große Retrospektive, die gemeinsam vom Guggenheim Museum und der Menil Collection organisiert wurde, tourte 2003 international. Er starb am 31. März 2017 in New York. Seine Werke sind unter anderem in den Sammlungen des MoMA, des Whitney Museum, des Metropolitan Museum of Art, des Guggenheim, der Tate und des Thyssen-Bornemisza Museums vertreten.

In der Datenbank Auctionist erscheint Rosenquist in 16 Losen bei schwedischen und internationalen Auktionshäusern, darunter Stockholms Auktionsverk, Bukowskis und Phillips. Die Bandbreite der verzeichneten Preise ist bemerkenswert: Eine Phillips-Auktion eines unbetitelten Werkes erzielte 129.000 GBP, und ein weiteres Los mit der Beschreibung The Serenade for the Doll nach Claude Debussy erreichte 90.300 GBP – Zahlen, die mit der oberen Preisklasse seines Druck- und Papierkunstmarktes übereinstimmen. Lose schwedischer Häuser, hauptsächlich Siebdrucke und Lithografien, wurden im Bereich von 2.500-5.000 SEK verkauft und bieten einen zugänglichen Einstieg in ein Werk, dessen Hauptgemälde Preise erzielen, die um ein Vielfaches höher liegen.