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August Strindberg
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August Strindberg widmete sich der Malerei, so wie ein Tagebuchschreiber in einer Krise zum Stift greift – in konzentrierten Schüben, wenn das Leben einfach unerträglich geworden war. Er malte ernsthaft in drei ausgeprägten Perioden: in den frühen 1870er Jahren, dann in einer entscheidenden Phase zwischen 1892 und 1894, als er in Deutschland, Österreich und Dänemark lebte und die Theaterwelt sich weitgehend gegen ihn gewandt hatte, und schließlich für mehrere Jahre nach 1900. Die rund 117 entstandenen Gemälde gelten heute als einige der originellsten Werke, die im 19. Jahrhundert in Skandinavien entstanden sind.
Was die Gemälde für ihre Zeit ungewöhnlich macht, ist, dass sie über die Beobachtung hinausgehen und etwas eher Psychologisches, Wetterartiges darstellen. Insbesondere die Seestücke – wogende graue Wasser, gebrochene Brandung, schwere Himmel über dem Stockholmer Schärengarten – registrieren Gemütszustände ebenso wie Topografie. Strindberg selbst formulierte eine Kunsttheorie, die diesem Ansatz formale Bedeutung verlieh. In seinem Aufsatz „Zufall in der künstlerischen Schöpfung“ von 1894 argumentierte er, dass der Maler den eigenen Schöpfungsprozess der Natur nachahmen solle, indem er Formen aus der materiellen Reaktion der Farbe entstehen lasse, anstatt ein vorgegebenes Bild aufzuzwingen. Er gelangte unabhängig von den Bewegungen, die später ähnliche Ideen benennen sollten, zu dieser Position – sein Werk greift sowohl den Surrealismus als auch den Abstrakten Expressionismus um eine Generation vorweg.
In denselben Jahren, in denen er seine Maltheorie entwickelte, experimentierte Strindberg auch mit Fotografie. Er legte lichtempfindliche Platten direkt auf den Boden, um den Nachthimmel ohne Kamera einzufangen – Bilder, die er Himmelsfotografien nannte. Die Ergebnisse waren tatsächlich Chemigramme, zufällige Produkte von Chemikalien und Staub, aber Strindberg glaubte, die Sterne fotografiert zu haben. Die Verwechslung ist bezeichnend: Seine gesamte visuelle Praxis basierte auf dem Zusammenfallen der Distanz zwischen der materiellen Welt und dem psychischen Zustand der Person, die sich damit auseinandersetzt.
Seine Freundschaften mit Edvard Munch und Paul Gauguin platzierten ihn am Rande des damals radikalsten visuellen Denkens in Europa, obwohl seine Gemälde nie ganz zu einer Schule gehörten. Munch zeichnete 1892, im Jahr ihres Treffens in Berlin, ein Porträt von ihm. Die beiden Männer waren sich temperamentvoll nahe – beide angetrieben von der Überzeugung, dass Kunst innere Zustände sichtbar machen könne. Strindbergs Werk wird im Nationalmuseum, im Nordischen Museum und in der Thielska Galleriet in Stockholm aufbewahrt. Das Strindbergsmuseet in der Drottninggatan 85, in dem Gebäude, das er Blå tornet (den Blauen Turm) nannte und wo er seine letzten Jahre verbrachte, beherbergt Archive und Gemälde. Große Retrospektiven wurden 2001-2002 im Musée d'Orsay in Paris und 2005 in der Tate Modern in London gezeigt.
Auf dem Auktionsmarkt erzielen Strindbergs Gemälde einige der höchsten Preise, die für schwedische Künstler verzeichnet wurden. „Inferno“ (1901), gemalt in Stockholm während einer Phase akuten persönlichen Zusammenbruchs nach seiner Trennung von seiner dritten Frau Harriet Bosse, wurde 2017 bei Bukowskis für 18.575.000 SEK verkauft. Die auf Auctionist verfolgten Werke sind hauptsächlich Bücher, Manuskripte, Briefe und Ephemera und keine Gemälde – die Originalleinwände sind selten und befinden sich heute meist in Institutionen oder großen Privatsammlungen –, was einen Markt widerspiegelt, in dem jedes authentische Stück Strindberg-Material ein historisches Gewicht weit über seine physische Form hinaus trägt.